Phantasmagorien aus den unaussprechlichen Abgründen des Wahnsinns

[Randolph Carter]

The Ape Man
(Lock Your Doors)
USA 1943 - Directed by William Beaudine



1931 erlangte er Weltruhm mit seiner Interpretation des charismatischen Vampirfürsten Graf Dracula, zwölf Jahre später ist der gebürtige Ungar Bela Lugosi (20.10.1882 – 16.08.1956) so richtig auf den Affen gekommen. Er spielt den genialen Wissenschaftler Dr. James Brewster, der sich bei seinen seltsamen Versuchen in eine Art Affenmensch verwandelt hat. Das heißt, er hat mit übermäßigem Haarwuchs zu kämpfen (auch im Gesicht), er kann nicht mehr so richtig aufrecht gehen, dafür ist es ihm möglich, mit Primaten zu kommunizieren. Allerdings ist er davon überzeugt, daß seine aktuelle Verfassung heilbar ist. Um das zu bewerkstelligen, braucht er nur ein wenig frisch gezapfte Rückenmarksflüssigkeit ("I must have human spinal fluids injected into me. It's my only chance."), aus der er ein Serum gewinnt, das ihm helfen sollte. Sein Kollege Dr. George Randall (Henry Hall) ist wenig begeistert von der Idee, bedeutet sie doch nichts anderes als kaltblütiger Mord, weshalb er ihm prompt seine Hilfe verweigert. Anders liegt der Fall bei Brewsters Schwester Agatha (Minerva Urecal, 7 Faces of Dr. Lao), schließlich ist Blut dicker als Wasser.

Man muß sie einfach lieben, diese kostengünstig produzierten Horrorstreifen rund um verrückte Ärzte und Wissenschaftler, die auf dem schmalen Grat zwischen Genie und Wahnsinn das Gleichgewicht verlieren und todesverachtend in den Abgrund torkeln, ohne Reue für ihr Handeln. Dr. Brewster ist kein netter Mensch, kein Sympathieträger. Erst reitet er sich mit seinen Experimenten im gestreckten Galopp selbst in die sprichwörtliche Scheiße, und dann müssen Unschuldige für seine Anmaßung büßen, was ihn nicht die Bohne zu kümmern scheint. "It's my life I have to think about" ist seine patzige Antwort, falls es jemand wagt, sein abscheuliches Tun in Frage zu stellen. Bela Lugosi ist eine Schau in der Hauptrolle. Ohne allzu dick aufzutragen verleiht er seiner Figur eine gewisse Tragik, macht die Qual, die er fühlen muß, spürbar. Brewster mag ein Scheusal sein, aber er ist ein faszinierendes Scheusal, dem man bei seinen grausigen Aktivitäten gerne zusieht. Und das ist zweifellos Lugosis Verdienst, der sich wieder einmal richtig reinkniet, auch wenn es nur eine weitere unwürdige Rolle in einem drittklassigen Mad Scientist-Heuler ist.

Am Regiestuhl saß der legendäre William Beaudine (1892 – 1970), der bekannt und berüchtigt dafür war, schnell und kosteneffizient zu arbeiten (The Ape Man war binnen neunzehn Tagen im Kasten). Posthum verpaßte man ihm den Spitznamen "One-Shot", weil er angeblich den Ruf hatte, für sämtliche Szenen lediglich einen Take zu benötigen. Das ist natürlich Humbug, da er sehr wohl Retakes drehte, wenn es denn notwendig war. In gewissen Kreisen genießt Beaudine jedenfalls Kultstatus, auch dank abenteuerlich betitelten Filmen wie Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla (1952), Jesse James Meets Frankenstein's Daughter (1966) und Billy the Kid Versus Dracula (1966). Daß The Ape Man eine absolute Billigproduktion war, ist mehr als offensichtlich. Die Cast ist überschaubar, die Handlung spielt sich an einigen wenigen Schauplätzen ab, die Kamera fängt das Geschehen statisch und undynamisch ein, und die Spezialeffekte sind durchschaubar und unspektakulär. Lugosi bekam Haare auf die Hände und ins Gesicht geklebt, sodaß er eine Ähnlichkeit mit dem von Lon Chaney Jr. gespielten Werwolf aus The Wolf Man (1941) nicht verleugnen kann.

An seiner Seite agiert ein komischer Affe, beziehungsweise - um genau zu sein - ein Mann im Gorillakostüm, und dieser Mann ist Emil Van Horn. Es ist nicht seine einzige Rolle dieser Art, machte er sich in den 1930er- und 1940er-Jahren doch einige Male zum Affen, wenn man so will. Und weil wir schon bei anderen Affen sind... The Ape Man weist einige Parallelen zu William Nighs The Ape (1940) auf, starring Boris Karloff, den anderen großen Horrorstar der Dreißiger. Während der Grundplot von The Ape Man ernst und (melo)dramatisch zelebriert wird, sorgt das Drumherum mit dem Journalisten (Wallace Ford) und seiner Photographin (Louise Currie, Voodoo Man) für humorvolle Auflockerung, ein typisches Comic Relief, wie es seinerzeit häufig vorkam. Den Vogel schießt dann ein schrulliger Typ namens Zippo (Ralph Littlefield) ab, der des Öfteren ins Geschehen eingreift und am Ende grinsend enthüllt, welche Rolle er eigentlich spielt. Keine Frage, The Ape Man ist lachhaft-schundiger, hanebüchener Science-Fiction-Nonsens, der aufgrund seiner knackigen Laufzeit von gerade einmal 64 Minuten zumindest für angenehm sympathische Kurzweil sorgt.

[Randolph Carter]

The Kindred
(Anthony / Anthony - Experiment des Todes)
USA 1987 - Directed by Stephen Carpenter & Jeffrey Obrow



Verzweifelt bittet die nach einem Herzinfarkt im Krankenhaus liegende Genetikerin Amanda Hollins (Kim Hunter, Planet of the Apes) ihren Sohn John (David Allen Brooks, Cast Away), das Experiment zu beenden und alle Aufzeichnungen zu vernichten. Es sei zu gefährlich, meint sie, die Sache mit seinem Bruder Anthony. Mit den vagen Andeutungen der geschwächten Frau kann John nichts anfangen, und von einem etwaigen Bruder hörte er eben zum ersten Mal. Auch Amandas ehemaliger Freund und Kollege Dr. Phillip Lloyd (Rod Steiger, Giù la testa aka Todesmelodie) gibt vor, keine Ahnung zu haben, was sie mit ihrem Gestammel gemeint haben könnte. Eine glatte Lüge, schließlich will der Wissenschaftler das mysteriöse Experiment selbst in seine Finger bekommen, möglichst lebendig. Nach Amandas Ableben trifft John beim Begräbnis auf die Britin Melissa Leftridge (Amanda Pays, Leviathan), die Amandas Arbeit bewundert und bedauert, sie nicht mehr persönlich getroffen zu haben. John bietet ihr an, beim Aufräumen des Hauses zu helfen, und sie sagt erfreut zu. Wenig später nisten sich John, seine Freundin Sharon (George Clooneys Ex-Frau Talia Balsam), einige hilfsbereite Freunde sowie Melissa im alten, heruntergekommenen Landhaus ein, um herauszufinden, was es mit Amandas Äußerungen auf sich hat. Bald bricht die Hölle über sie herein, denn der ominöse Anthony existiert tatsächlich, und er ist ganz in ihrer Nähe.

Ah, die Achtziger. Da randalierten die Monster(puppen), da spritzte der Schleim, da peitschten die Tentakel, und das alles garantiert CGI-frei. Für The Kindred, hierzulande vom Video-Vertrieb VCL/Virgin in Anthony umbetitelt und mit zwei "Fortsetzungen" zwangsbeglückt, legten sich unter anderem Michael John McCracken (The Ice Pirates, Ticks) und Matthew W. Mungle (A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors, Natural Born Killers, The X Files) ins Zeug, welche einige memorable Kreaturen schufen, die sie fröhlich durch den Film glitschen ließen. Eröffnet wird die schwer unterhaltsame Monster-Sause mit einer passabel in Szene gesetzten Actionszene, die für den weiteren Verlauf nicht wirklich relevant ist. Sie dient lediglich dazu, um über Umwegen den von Rod Steiger gespielten Mad Scientist einzuführen, der nicht nur sprichwörtlich über Leichen geht. Und in einigen Momenten läßt der 2002 verstorbene Oscar-Preisträger (In the Heat of the Night) seine Klasse aufblitzen, läßt erahnen, was für ein großartiger Schauspieler er doch war. Und da auch die restliche Cast recht überzeugend agiert, obwohl die Charakterisierung der Figuren sehr zu wünschen übrig läßt, entsteht ein zartes emotionales Bändchen zwischen Publikum und den Protagonisten. Das ist insofern wichtig, weil ansonsten der packende Überlebenskampf unserer Helden, der sich durch das letzte Drittel des Streifens zieht, wirkungslos verpufft wäre.

Von den Darstellern hinterlassen - neben Rod Steiger, an dessen enorme Leinwandpräsenz niemand auch nur annähernd herankommt - Max Headroom-Beauty Amanda Pays, Peter Frechette (The Hills Have Eyes Part II) als erfinderischer Ladies Man ("There's something fishy about Melissa") sowie Julia Montgomery (Girls Nite Out) und Talia Balsam (Crawlspace) den meisten Eindruck, während David Allen Brooks in der Hauptrolle eher blaß bleibt. Das Regie-Duo Stephen Carpenter und Jeffrey Obrow (The Dorm That Dripped Blood, The Power) setzt das Skript flott, gefällig und ohne nennenswerte Längen um, wobei der Grundton ernst und - nicht zuletzt aufgrund des Hauptschauplatzes - recht düster und schmutzig ist. Vor allem der teilweise unter Wasser stehende Keller erweist sich als widerliches Drecksloch, das so manches schaurige Geheimnis birgt. Der Plot, den sich die insgesamt fünf Autoren (darunter auch Joseph Stefano, Drehbuchautor von Alfred Hitchcocks Psycho) ausgedacht haben, glänzt nicht gerade mit Originalität, und auch den Vorwurf, daß einige Ideen ins Leere laufen - wie etwa Dr. Lloyds weggesperrte Fehlschläge - und diverse Klischees bedient werden, müssen sich die Herren gefallen lassen. Da die bekannten Genreversatzstücke jedoch recht geschickt variiert werden und die Monster-Action dank Anthony, der in verschiedenen Entwicklungsstadien zu sehen ist, überaus abwechslungsreich gestaltet ist, fällt das kaum ins Gewicht.

Wenn man The Kindred sacken und mit etwas Abstand Revue passieren läßt, dann kristallisieren sich die wahren Stars des Filmes noch stärker heraus. Und das sind weder Rod Steiger noch Amanda Pays, sondern die vielen Set-Pieces, in denen die Maskenbildner, SFX-Künstler und Puppeteers ihr Können unter Beweis stellen durften. Schon die Sequenz, in der Dr. Lloyd an einem schreienden, katzenartigen Tiermutanten herumoperiert, gibt einen Vorgeschmack auf das, was da noch kommen wird. Und es kommt so einiges. Ein erstes Ausrufezeichen setzt die wuchtige, wenn auch etwas dümmliche Monsterattacke im Auto (Stichwort: Kürbis!), und danach geht es recht rasant weiter (unter anderem mit einem Mini-Anthony in einem Glasbehälter sowie einer grausigen Transformation), bis auch schon der große, lange und dramatische Showdown beginnt, eine annähernd halbstündige Tour-de-Force, die keine Wünsche offen läßt. The Kindred ist einer der besseren Creature Features der 1980er-Jahre, obwohl er seinen augenscheinlichen Vorbildern wie John Carpenters The Thing (Das Ding aus einer anderen Welt, 1982), James Camerons Aliens (Aliens - Die Rückkehr, 1986) und Stuart Gordons From Beyond (From Beyond - Aliens des Grauens, 1986) in keiner Weise das Wasser reichen kann. Aber was Stephen Carpenter und Jeffrey Obrow mit tatkräftiger Unterstützung ihrer FX-Crew hier ablieferten, ist schon eine verdammt geile Monster-Show.

[Randolph Carter]

The Cellar
(Anthony II - Die Bestie kehrt zurück)
USA 1989 - Directed by Kevin S. Tenney & John Woodward



Früher hat das karge Wüstengebiet, auf dem nun das schwarze Gold gefördert wird, den Comanchen gehört. Sie haben es dem weißen Mann nicht freiwillig überlassen, mußten sich letztendlich jedoch dessen Übermacht beugen. Die Legende besagt, daß die Indianer, um die drohende Niederlage noch abzuwenden, sogar einen bösen Geist heraufbeschworen. Doch diese angeblich perfekte Killermaschine entpuppte sich als Bumerang, machte sie doch keinen Unterschied zwischen Freund und Feind und tötete alles, was ihren Weg kreuzte. Von diesen Dingen hat die Familie Cashen keinen blassen Schimmer. Mance Cashen (Patrick Kilpatrick) ist mit seiner Frau Emily (Suzanne Savoy) und Baby-Tochter April eben erst hierhergezogen, da er bei der hiesigen Ölbohrfirma einen Job angenommen hat. Sein Sohn aus erster Ehe, Willy (Chris Miller), stößt wenig später hinzu, darf er doch die Sommerferien bei seinem Vater verbringen. Und Willy ist es auch, der als erster bemerkt, daß sie in dem kleinen Häuschen nicht allein sind. Irgendetwas ist da im verbarrikadierten Keller, und es scheint alles andere als freundlich zu sein. Natürlich glaubt dem Jungen niemand, und so nimmt er notgedrungen im Alleingang den Kampf gegen den monströsen Untermieter auf.

Das auf einer Kurzgeschichte von David Henry Keller basierende Monster-Movie The Cellar wurde von John Woodward, der auch das Drehbuch schrieb, begonnen. Dann jedoch stieg dieser aus dem Projekt aus, woraufhin man Kevin Tenney engagierte, um den Film fertigzustellen. Für Tenney war The Cellar somit eine reine Auftragsarbeit, und das sieht man dem Endprodukt auch an. Im Vergleich zu Witchboard, Night of the Demons, Witchtrap oder Witchboard 2: The Devil's Doorway fällt The Cellar deutlich ab. Dem Streifen fehlt es vor allem an der speziellen Würze, die Tenneys Arbeiten so schmackhaft machen. Und das ist beileibe nicht das einzige Handicap des ernst angelegten Filmes. So ist das Casting von Patrick Kilpatrick als Familienoberhaupt problematisch; seine Figur hat von Anfang an eine unangenehm psychopathische Schlagseite, die es (mir) unmöglich macht, in ihm einen heldenhaften Protagonisten zu sehen. Kilpatrick (Scanner Cop II) mag in Schurkenrollen überzeugen, als fürsorglicher, liebevoller Familienvater ist er eine glatte Fehlbesetzung. Dies wird vor allem gegen Ende deutlich, wenn er sich seinem Sohn gegenüber höchst widerlich benimmt und eine solch unerhörte Arschlochnummer abzieht, daß man den Mann weit mehr fürchtet als das Monster im Keller.

Die anderen Schauspieler sind mehr oder weniger okay, wobei es Chris Miller als Willy immerhin schafft, den Zuschauern nicht allzu sehr auf die Nerven zu gehen. Recht passabel ist auch der böse Comanchen-Geist, der sich als mörderisches Monster manifestiert hat. Das schuppige Ding sieht aus wie eine verunglückte Kreuzung aus Alligator, Bär und Ratte, hat viele spitze Zähne und ist häßlich wie die Nacht. Es ist keine Kreatur, an die man sich lange erinnert, aber für die fünfundachtzig Minuten des Filmes genügt es vollauf. Einerseits ist das klobige Biest, das der Legende nach aus verschiedenen Teilen gefährlicher Tiere entstanden ist, ziemlich imposant, wenn es auf die potentiellen Opfer zu stapft, andererseits funktioniert das Zusammenspiel mit der Cast nur bedingt, da es sehr unbeweglich geraten ist. Deshalb wird es uns von Tenney meist auch nur allein - aber dafür bildschirmfüllend - gezeigt. Den unspektakulären Attacken mangelt es leider an Wucht, und daß sich der Blutfluß auf ein Minimum beschränkt, ist diesbezüglich ebenfalls nicht wirklich hilfreich. Positiv hervorzuheben sind hingegen die coolen Landschaften (gedreht wurde in Tucson, Arizona), und auch die beigemengte indianische Mystik ist eine nette Abwechslung zum üblichen Monster-Einerlei.

Über soliden Durchschnitt kommt The Cellar dennoch nicht hinaus. Die Figuren sind einfach viel zu schwach charakterisiert, als daß man etwas für sie empfinden könnte. Hinzu kommt, daß die Struktur des Streifens arg konventionell ist und daß das Drehbuch die Figuren einige Male in die Klischeefalle tappen läßt. Das wäre ja noch zu verschmerzen gewesen, wenn es Tenney bzw. Woodward verstanden hätten, die Geschichte flott und packend umzusetzen. Leider ist das nicht der Fall. Der Film dümpelt mal mehr, mal weniger unterhaltsam dahin, und er hat einige Längen, wodurch er sich auch länger anfühlt als er eigentlich ist. Die Idee mit den Raben, die in Verbindung zum Monster stehen, ist ganz nett, läuft jedoch letztendlich ins Leere. Erst gegen Ende zeigt Tenney, was hätte sein können, denn der Showdown dieses mittelmäßigen Creature Features ist ihm richtig gut und mitreißend gelungen. Ein Fall von zu wenig zu spät. Wer sich jetzt fragt, wo denn der Anthony abgeblieben ist, die Bestie, die laut dem deutschen Titel zurückkehrt, dem muß ich leider mitteilen, daß dieser hier ebensowenig vorkommt wie in Anthony III (The Runestone, 1991). Die beiden Filme als "Fortsetzung" von The Kindred (Anthony, 1987) zu verkaufen, ist bloß das Ergebnis deutscher Titelschmiedekunst.

[Randolph Carter]

The Runestone
(Anthony III / Anthony 3)
USA 1991 - Directed by Willard Carroll



Ich könnte mir vorstellen, daß Fenrir, der Fenriswolf aus der nordischen Mythologie, ziemlich angepißt wäre und möglicherweise sogar "Ragnarök" knurren würde, wenn ihm das deutsche Videotape "seines" Filmes vor die Schnauze fällt, haben ihn die Marketingleute des hiesigen Vertriebes VCL/Virgin doch glatt und ohne ihn zu fragen in Anthony umgetauft. Ein Schicksal, das er mit dem Indianermonster aus The Cellar (Anthony II - Die Bestie kehrt zurück, 1989) teilen muß. Mit dem originalen Anthony, der Kreatur aus Stephen Carpenters und Jeffrey Obrows The Kindred (Anthony, 1987) haben beide nämlich nicht das Geringste zu tun, und wer sich die Filme nacheinander zu Gemüte führt wird unschwer erkennen können, daß sich die drei Monster auch kaum ähneln. Ausgangspunkt der Geschehnisse in The Runestone (Anthony III) ist der Fund eines riesigen Runensteines in Pennsylvania durch den Archäologen Martin Almquist (Mitchell Laurance, Syngenor), welcher ihn zu weiteren Untersuchungen nach New York schaffen läßt. Besagter Stein wurde dort vor langer Zeit von den Wikingern entsorgt, denen es gelungen ist, den schrecklichen Fenrir bzw. dessen Geist in den Stein zu bannen. Gegen das verlockende Gesäusel des Gefangenen ist Martin machtlos, und bald schon stapft eine blutrünstige Bestie durch den Big Apple, die alles massakriert, was ihr in die Quere kommt.

Regisseur und Drehbuchautor Willard Carroll macht vieles richtig, vieles aber auch falsch, was rückblickend traurig stimmt, hätte The Runestone doch das Zeug zum kultigen Monsterkracher gehabt. In der ersten Hälfte ist der auf einer Novelle des Schriftstellers Mark E. Rogers basierende Streifen recht träge und nicht wirklich stimmig, da sehr uneinheitlich. Der Plot mäandert ziellos dahin, als wüßte man nicht, wohin die Reise geht. Da wird mit dem von Alexander Godunov (Die Hard) gespielten Uhrmacher eine mysteriöse Figur eingeführt, die den Großteil des Filmes im Arbeitszimmer herumsteht, die Stirn runzelt und ominös in die Gegend starrt. Captain Fanducci (Peter Riegert, Animal House) soll als fluchender, PEZ-futternder Polizist wohl so etwas wie ein Comic Relief darstellen, was nicht funktioniert, da seine Sprüche meist lahm sind. Lawrence Tierney (Reservoir Dogs) als sein Vorgesetzter weigert sich partout, die Fakten anzuerkennen ("I'll tell you what it is, Fanducci. It's a big guy in a bulletproof dog suit."), und Lars Hagstrom (William Hickey, Prizzi's Honor) ist der verrückte Alte, den alle ignorieren. Zumindest Tierney und Hickey bereichern allein mit ihrer Anwesenheit den Film. Eine Bereicherung stellt zweifelsohne auch Joan Severance (Black Scorpion) als Martins Ex Marla Stewart dar, da sie ordentlich spielt, hübsch anzuschauen ist und recht sympathisch rüberkommt.

Ganz und gar nicht sympathisch erscheint hingegen Martin, womit man die Möglichkeit verpaßt hat, seinem Schicksal analog zum Werwolfmotiv eine tragische Note zu verleihen. Und Tim Ryan als Marlas Ehemann Sam bleibt so blaß, daß man ihn schon wieder vergessen hat, sobald der Abspann läuft. So zerfahren The Runestone in der ersten Hälfte wirkt, so geradlinig und zielgerichtet ist er dann in der zweiten. Denn ab etwa der Mitte gibt es Monster-Action satt. Der Streifen legt an Tempo zu, das Biest metzelt sich durch die Cast im Minutentakt (der Bodycount ist erstaunlich hoch), ein Set-Piece reiht sich an das nächste. Das Beste davon ist vermutlich das Massaker in einer Kunstgalerie, wo die Kreatur unter anderem ein lebendes Ausstellungsstück - eine Frau mit Lockenwickler und Godzilla-Slipper - attackiert, und die Besucher über den Realismus staunen, weil sie denken, das gehöre zum Tableau. Leider macht Carroll auch hier etwas ganz entscheidendes falsch. So nett die Monster-Randale auch anzuschauen ist, so sehr wünscht man sich, daß sie härter und wuchtiger umgesetzt worden wäre, zumal sie auch fast schon erschreckend blutleer ist. Mit dem roten Lebenssaft wird so gegeizt, daß man den Eindruck bekommt, die SFX-Crew rund um Lance Anderson (Pet Sematary) hätte nur eine Flasche Kunstblut zur Verfügung gestellt bekommen und hätte deshalb das Gros des "Blutbades" notgedrungen ins Off verlagern müssen.

Fenrir selbst, gespielt von Dawan Scott im zotteligen Ganzkörperkostüm, ist eine zwiespältige Angelegenheit. Das etwa zwei Meter große Biest ist unbestritten eine durchaus eindrucksvolle Erscheinung, umso mehr, weil es DoP Misha Suslov gelingt, die Auftritte der Kreatur mit geschickter Szenenausleuchtung (viel blau, noch mehr rot) und massenhaft Nebel sehr stimmig und effektvoll in Szene zu setzen. Das kann jedoch nicht darüber hinwegtäuschen, daß Fenrir bloß ein 80er/90er-Jahre-Standardmonster ist, das angesichts der starken Konkurrenz in die zweite Reihe verdrängt wird. Rawhead Rex, Pumpkinhead und auch der richtige Anthony etwa sind da sowohl furchteinflößendere als auch denkwürdigere Kreaturen. Im Einstecken ist das Biest jedoch ein ganz Großer. Es schluckt Kugeln wie Fanducci seine PEZ-Zuckerl, sehr zum Leidwesen des NYPD, das recht heftig dezimiert wird. Was gibt es sonst noch zu vermelden? Eine Monsterattacke als Schattenspiel an der Wand zu zeigen, ist eine coole Idee, die wenigen Schockmomente sind gut getimed und sehr effektiv (Respekt!), und das große Finale ist trotz Abwesenheit der emotionalen Ebene recht packend geraten. Unterm Strich ist The Runestone somit ein konventionelles Monster-Movie mit mystischem, altmodischem Flair, ein launiger, wenngleich etwas zu lang geratener Fantasy-Horror-Hybrid, der trotz schleppenden Beginns gut, aber überraschungsarm unterhält.

[Randolph Carter]

Return of the Ape Man
USA 1944 - Directed by Phil Rosen



Obwohl der Titel suggeriert, daß es sich bei Return of the Ape Man um ein Sequel zu William Beaudines The Ape Man (1943) handelt, ist die Realität eine andere. Tatsächlich gibt es hier nicht einmal einen Affenmenschen, sondern bloß einen Neandertaler, den die beiden Wissenschaftler Professor Dexter (Bela Lugosi) und Professor Gilmore (John Carradine) im arktischen Eis finden und in ihr geheimes Labor verfrachten. Dexter und Gilmore forschen nämlich auf dem Gebiet der Kryokonservierung, und vor allem Dexter, die treibende Kraft, ist davon überzeugt, daß es möglich ist, Menschen einzufrieren und viele Jahre später wieder aufzutauen, auf daß sie weiterleben können, als wäre nichts geschehen. Ein erstes Experiment mit Willie the Weasel (Ernie Adams), einem Obdachlosen, verlief bereits vielversprechend; das unfreiwillige Versuchskaninchen ist wohlauf und kann sich an nichts erinnern. Insofern kommt ihnen der tiefgekühlte Neandertaler gerade recht. Leider erweist sich der unzivilisierte Bursche als höchst aggressiv, weshalb Dexter eine Gehirntransplantation plant. Seine erste Wahl für dieses Unterfangen ist Steve (Tod Andrews), der Verlobte von Gilmores Nichte Anne (Teala Loring). Gilmore kann diese Untat zwar gerade noch verhindern, doch damit bringt er Dexter nur auf eine andere Idee, und die Folgen sind fatal.

Phil Rosens Return of the Ape Man ist mehr oder weniger gelungener Mad Scientist-Schund von der Art, auf die sich Bela Lugosi (Dracula) in den 1940er-Jahren gezwungenermaßen spezialisiert hatte. Mangels alternativer Angebote fristete er sein filmisches Dasein als Star zahlreicher Billigproduktionen, die von versierten Regisseuren auf die Schnelle heruntergekurbelt wurden. Über diese Werke kann man sagen was man will, aber zumindest Lugosi ist über jeden Zweifel erhaben, lieferte er doch ein ums andere Mal bravourös ab, egal wie bescheuert der Plot oder wie unwürdig seine Figur war. Und auch in Return of the Ape Man gibt Lugosi alles, zelebriert seine Verrückter-Wissenschaftler-Rolle mit boshaftem Charme und diabolischer Freude, daß es eine Wonne ist, ihm dabei zuzuschauen. Und er drischt Phrasen, als gäbe es kein Morgen. Beispiele gefällig? Sehr gerne. So meint er: "For a scientist, nothing is impossible!" Und weiter: "A true scientist is married to his profession!" Oder: "Murder is an ugly word. As a scientist I don't recognize it." Auch hübsch: "Some people's brains would never be missed." Ja, sein Dexter ist ein so entzückendes Kerlchen, man liebt es einfach, ihn zu hassen. Mit Lugosi kann niemand hier mithalten, nicht einmal John Carradine (Shock Waves), obwohl auch er eine durchaus akzeptable Leistung abliefert.

Sowohl in den Credits als auch auf den Postern wird behauptet, daß der Neandertaler (= the Ape Man) von George Zucco (Voodoo Man) gespielt wird. Das war auch so geplant, doch leider - wie es von offizieller Seite heißt - erkrankte der Schauspieler vor Drehstart und wurde deshalb notgedrungen durch Frank Moran ersetzt. Aufgrund des Vertrages blieb es bei Nennung seines Namens, obwohl er nur wenige Sekunden im Film zu sehen ist. Moran macht einen passablen Job als Neandertaler, der am Ende sogar eine hübsche Frau entführen und sinnlos durch die Gegend tragen darf. Die Schöne und das Biest, Klischee komm raus, du bist umzingelt. Daß es sich bei Return of the Ape Man um eine absolute Billigproduktion handelt, sieht man schon zu Beginn am coolen Set, das dem Publikum - in Kombination mit Stock Footage - vorgaukeln soll, es sähe hier Ausgrabungsarbeiten in der Arktis. Sehr nett ist auch die Idee, die hanebüchene Handlung mittels Zeitungsartikel voranzutreiben, schließlich ist Zeit Geld, und beides ist knapp. Nach einer Stunde ist der haarige Spuk auch schon wieder vorbei, und ja, auch dieser Abstecher in eine andere Zeit war unterhaltsam, charmant und kurzweilig. Und wenn es auch nichts zum Fürchten gab, so gab es doch - man denke etwa an den klavierspielenden Neandertaler - einiges zum Lachen.

[Randolph Carter]

The XXXorcist
USA 2006 - Written, Directed, Edited & Produced by Doug Sakmann



Oops, they did it again... Zwei Jahre nach der kolossal geschmacklosen Monstrosität namens Re-Penetrator (2004) taten sich Doug Sakmann, Joanna Angel und Tommy Pistol wieder zusammen, um aufs Neue ausgelassen herumzusauen und mit Schmackes auf den Putz zu hauen. Dieses Mal nahmen sie sich William Friedkins Horrorklassiker The Exorcist (Der Exorzist, 1973) zur Brust, um ihn nach ihren Vorstellungen umzugestalten und genußvoll zu versexen. Wie schon zuvor Re-Penetrator besteht auch The XXXorcist aus nur einer Szene. Auf Bitte von Mrs. MacFeel (Kylee Kross) nimmt sich Vater Merkin (Tommy Pistol) der besessenen Regan (Joanna Angel) an und versucht, den garstigen Dämon, der sich in ihr eingenistet hat, zu verscheuchen. Bald ist klar: Herkömmliche Mittel greifen nicht, der Dämon ist gekommen, um zu bleiben: "This time you're going to lose. This girl is mine!" Doch Vater Merkin ist hartnäckig und gibt alles, um die kleine Regan zu retten. Entschlossen macht er sich an die Arbeit: "You leave me no choice. I must perform a sexorcism!"

Der erigierte Dödel als Waffe. Der aufopferungsbereite Priester gedenkt, den unseligen Dämon mit Hilfe von Sex auszutreiben ("Damn you, Satan! - I must do the Lord's work!"), er will ihn im wahrsten Sinne des Wortes aus dem unschuldigen Körper herausficken. Und so bleibt keine Öffnung unpenetriert, wobei die besessene Regan bei diesem eher unorthodoxen Exorzismus nur allzu gerne mitmacht ("Just fuck me already! - Eat that possessed pussy!"). War Re-Penetrator noch eine überaus "rote" Angelegenheit, da die Macher das Blut nur so spritzen ließen, so ist The XXXorcist sehr, sehr "grün". Denn anstelle von Kunstblut kommt hier Kunstkotze zum Einsatz. Gleich am Anfang, wenn der Kopf der Kleinen einige Male um die eigene (Hals-)Achse rotiert, kotzt die gar nicht mehr so süße Regan im Strahl. Bekleckert werden dabei nicht nur das Bett, der Boden und die Wände des Zimmers, sondern auch die ungläubig glotzenden Zuschauer, die vom ekligen grünen Zeug vom Scheitel bis zur Sohle bespritzt werden und dastehen wie die sprichwörtlichen begossenen Pudel.

Der Sex ist wild, rasend und schnell, keine Spur von Zärtlichkeit oder Leidenschaft, bloß rein-raus auf eine zweckmäßige, fast schon maschinelle Art und Weise. Und wie schon bei Re-Penetrator inszeniert Sakmann den Sex nicht, um das Publikum anzutörnen. Die lange, recht abwechslungsreich gestaltete Vögelei erinnert vielmehr an eine sexuelle Freakshow, der man staunend beiwohnt, ohne daß man auch nur das kleinste Bißchen davon erregt wird. Eines ist klar: So etwas sieht man definitiv nicht alle Tage (und will das vermutlich auch gar nicht). Inwieweit man diesen groben Unfug goutieren kann, hängt von jedem selbst ab. Ich fand das Dargebotene durchaus amüsant, denn trotz all der geschmacklosen Ferkeleien hat The XXXorcist etwas Spielerisches und auch etwas Sympathisches an sich. Das beginnt beim einmeterfünfzig großen, damals sechsundzwanzig Jahre alten Wirbelwild namens Joanna Angel, die ihre Rolle ziemlich straight durchzieht, und endet bei Sakmanns kompetenter Regie und seiner gelungenen Bearbeitung der Vorlage, die dem Klassiker bei allem Schabernack auch Respekt erweist.

Im Gegensatz zur Burning Angel-Lady agiert Tommy Pistol (The Gruesome Death of Tommy Pistol) sehr campy, was im Zusammenspiel erstaunlich gut und launig funktioniert. Auch Kylee Kross als Regans Mutter macht eine gute Figur und stürzt sich voller (inzestuösem) Elan ins Geschehen, nachdem sie durch einen Kuß vom Töchterchen ebenfalls besessen wird. Sakmann variiert einige prägnante Szenen des Originals, wie den drehenden Kopf (getrickst von Jeremy Selenfriend (Men in Black 3), der sein Handwerk bei Dick Smiths SFX-Schule lernte), das schwebende Bett, die berüchtigte Kruzifix-Sequenz oder den Treppensturz (gedreht übrigens am Originalschauplatz in Georgetown), mengt dem kruden Spaß aber auch ein paar eigene Ideen bei. So spritzt der grüne Schleim nicht nur aus dem Mund, sondern auch aus der Muschi, und Vater Merkins Geheimwaffen sind religiöse Artefakte wie der Jungfrau-Maria-Dildo oder der Jesus-Butt-Plug. Äh, ja, wem blasphemische Einschübe sauer aufstoßen, sollte The XXXorcist meiden wie der Teufel das Weihwasser.

Abschließend sei gesagt, daß dieses bizarre Nischenprodukt so genüßlich abstoßend und so herrlich daneben ist, daß es schwerfällt, sich ein Grinsen zu verkneifen. Wo The Exorcist auf ein unterschwelliges Grauen und eine unbehagliche Atmosphäre setzt, suhlt sich The XXXorcist in schleimtriefenden Obszönitäten und macht immer mal wieder einen Schlenker in Richtung totalem Gross-Out. Das ist weder sexy noch erregend, aber das war auch gar nicht die Intention der Macher. Für einen AVN Award in der Kategorie "Most Outrageous Sex Scene" hat es diesmal dennoch nicht gereicht, den räumte eine Szene aus einem Film ab, welcher den, ähem, lieblichen Titel Ass Blasting Felching Anal Whores trägt. Technisch ist The XXXorcist ganz okay. Die Kameraarbeit ist gut, der generelle Look ist gefällig, und der disharmonische Soundtrack von Hick Nick and Jew of The Dead sorgt für eine verunsichernde Geräuschkulisse, die ziemlich irritiert. The XXXorcist ist ein recht ambitionierter, abartig-käsiger, siebenundvierzig Minuten kurzer Porn-Spoof für sehr spezielle Gelüste. Wohl bekomm's!

[Randolph Carter]

Mutantes del año 2000
(La rata maldita / The Demon Rat)
Mexiko 1992 - Written & Directed by Rubén Galindo Jr.



Es ist immer problematisch, wenn eine in der nahen Zukunft spielende Geschichte exakt datiert ist. Denn über kurz oder lang ist das betreffende Jahr erreicht, und aus der Zukunft wird plötzlich Gegenwart und anschließend Vergangenheit. Daß das prognostizierte Ereignis dann überhaupt nicht eingetreten ist, macht den Film zu einer Art Paradox. Nehmen wir mal das Jahr 2000. Damals gab es einige schreckliche Katastrophen, wie das Erdbeben auf Sumatra, das Hochwasser in Mosambik, der Absturz der Concorde oder der fatale Brand der Gletscherbahn Kaprun 2 in Österreich. Wozu es jedoch nicht kam, war eine dermaßen starke Luftverschmutzung, daß man in der freien Natur nur noch mit Atemschutzmasken überleben konnte. Und die Pinguine sind zum Glück auch nicht ausgestorben. In Mutantes del año 2000 ist das allerdings anders. Statt atembarer Luft gibt es dicken, giftigen Smog, und das Artensterben hat auch vor den niedlichen Frackträgern nicht haltgemacht.

In dieser verpesteten Welt lebt die Lehrerin Irina (Rossana San Juan), die Probleme mit ihrem Mann Roberto (Gerardo Albarrán) hat. Der hat sie damals nur geheiratet, um sich das Firmenimperium von Irinas Vater unter den Nagel zu reißen. Nun, da er sein Ziel erreicht hat und Romo Industries leitet, drängt er auf die Scheidung, um das lästige Weib loszuwerden. Die jedoch sträubt sich, was Roberto gar nicht gefällt. Und die strengen Bestimmungen in Bezug auf Müllentsorgung gefallen ihm auch nicht. Das ist alles so aufwändig und teuer, und da Zeit nun mal Geld ist, entlädt er seinen radioaktiven Abfall lieber gratis und unkompliziert auf der städtischen Müllhalde. Natürlich kommen Irina und ihr Freund, der Biologe Axel (Miguel Ángel Rodríguez), hinter die Machenschaften des skrupellosen Firmenbosses und drohen ihm mit der Polizei. Das kann Roberto natürlich nicht zulassen. Etwa zur selben Zeit entdeckt Irina, daß sie in ihrem Häuschen ein gravierendes Rattenproblem hat.

Der erste, der eine unheimliche Begegnung der rattigen Art hat, ist Arnold, Irinas süßer, kleiner Hund. Er ist danach nicht wiederzuerkennen. Axels Freund Andres (José Manuel Fernández) ist davon überzeugt, das Problem rasch aus der Welt schaffen zu können. Er nimmt es allein mit dem tückischen Nager auf. Genrekenner wissen sofort, daß Andres' Leben keinen Pfifferling mehr wert ist. Kurz darauf taucht Roberto mit einem Handlanger bei Irina und Axel auf, und der große Showdown kann beginnen. Rubén Galindo Jrs Mutantes del año 2000 ist ein äußerst obskurer, kaum bekannter Genrebastard aus Mexiko, und das hat durchaus seinen Grund. Während andere Arbeiten des Regisseurs, wie z. B. Cementerio del terror (Friedhof des Satans, 1985) oder Don't Panic (1987) aufgrund ihrer gefälligen Machart und ihres hohen Unterhaltungswertes schnell den Weg in die USA und nach Europa fanden, konnte Mutantes del año 2000 erst viele Jahre später die Grenzen seines Heimatlandes überwinden.

Viel verpaßt hat man ja nicht. Was ein kleiner, trashiger Tierhorrorkracher mit apokalyptischem Flair hätte sein können, ist leider bloß ein recht langatmiger und unspektakulärer Öko-Thriller geworden, bei dem die Ratten nur die zweite Geige spielen. Es gibt ganze zwei Stück davon, und der erste Auftritt des Geziefers ist vielversprechend. Nachdem die Ratte den Hund zu Schaschlik verarbeitet hat, spielt sie mit Irina etwas verstecken, bevor sie ihre Deckung verläßt und durch die Tür entfleucht. Man sieht das Vieh zwar nur Sekunden, aber der "Spezialeffekt" - ein haariges Etwas wird an einer Schnur durch die Tür rausgezogen - ist so dermaßen knuffig, daß man ihn sofort in sein Herz schließt. Leider ist das der einzige Trick dieser Art; danach mutieren die Nager zu Rattenmenschen, welche von Victor V. Alamillo im Zottelkostüm gespielt werden. Viel kann man aufgrund der verwackelten Kamera nicht erkennen, aber die Biester haben mehr Ähnlichkeit mit Morlocks als mit Ratten-Mensch-Mutanten.

Die triste, dystopische Welt von Mutantes del año 2000 bietet einen interessanten Hintergrund zur schundigen Groschenheft-Handlung, erfüllt jedoch kaum mehr als eine Alibi-Funktion, aus der viel zu wenig herausgeholt wurde. Die überwiegende Verlagerung der Geschehnisse in Häuser sorgt für einen netten klaustrophobischen Touch, der allerdings mehr oder weniger verpufft, da man für die holzschnittartig charakterisierten Figuren nichts empfindet, zumal die Schauspieler allesamt keine Koryphäen auf ihrem Gebiet sind. Egal ob Gerardo Albarrán als fieser (und haarsträubend unfähiger) Firmenchef, Miguel Ángel Rodríguez als besorgter Biologe oder Rossana San Juan als engagierte Lehrerin, glaubhaft ist davon niemand. Letztere erfreut zumindest das Auge, ist sie doch eine rassige Schönheit mit schwarzen Haaren fast bis zum Po. Mutantes del año 2000 ist ein leidlich unterhaltsamer Öko-Thriller, der erst im letzten Drittel halbwegs auf Touren kommt und so zumindest für Fans von mexikanischen Schlock-Erzeugnissen keine völlige Zeitverschwendung ist.

[Randolph Carter]

The Period
USA 2007 - Written, Directed, Shot, Edited & Produced by J. Douglas Smith



Na bumm! Immer wenn man denkt, man habe im Filmbereich bereits alles gesehen und nichts könne einen mehr überraschen, kommt lustig von der Seite ein Filmchen daher und beweist einem glatt das Gegenteil. Ein wildes, experimentelles In-Your-Face-Exploitation-Drama um die weibliche Monatsblutung, gedreht für etwa fünftausend US-Dollar in und um Kansas City, Missouri? Nein, tatsächlich, so etwas hatten wir noch nicht. Haben wir darauf gewartet? Vermutlich nicht, aber wenn es schon mal da ist, wird es auch geguckt. In J. Douglas Smiths The Period geht es um Sharrie Heiman (Angela Dix), die eines Tages beim entspannten Baden ihre Periode bekommt. Und die wird sie nicht mehr los. Sharrie blutet und blutet und blutet... So viel, wie die blutet, hat sie bestimmt fünfzig Mal mehr Blut in ihrem Körper als jeder andere Mensch. Mindestens. Mal tropft es, mal rinnt es, mal spritzt es aus ihr, was wohl unter anderem darauf zurückzuführen ist, daß das SFX-Team einen mit Kunstblut gefüllten Schlauch zwischen Sharries Beine hält, den Hahn aufdreht und laufen läßt.

Ja, die Spezialeffekte sind sehr durchschaubar, aber was will man für fünftausend Dollar auch schon Großes erwarten? Im weiteren Verlauf der Handlung bekommt Sharrie Probleme mit ihrer Mitbewohnerin Clitoria (Valerie Castro), die schließlich dermaßen eskalieren, daß Clitoria beinahe von Sharries Regel ersäuft wird, woraufhin die sich rächt und ihre Gegnerin mit ihren großen Brüsten abwatscht und zu ersticken versucht. Ähm, ja, genau. Zurückhaltung und Geschmackssicherheit sind nicht die Stärken des Streifens. Die Gynäkologen werden auch mit Blut vollgespritzt, aber die nehmen es eher gelassen. Berufsrisiko. Weniger erfreut sind die Kunststudenten, bei denen Sharrie nackt Modell steht. Auch die brauchen danach eine Dusche, und Sharries Karriere als Nacktmodel ist damit wohl beendet. Und so plätschert The Period dahin wie das Blut aus Sharries Vagina und man denkt bereits, der Streifen wäre ein bizarres One-Trick-Pony, eine einzige, zugegebenermaßen nicht unoriginelle Idee, aufgeblasen auf sage und schreibe einhundertfünf Minuten.

Dem ist nicht so. Denn in der letzten halben Stunde bricht der Film gänzlich mit dem bisherigen Handlungsverlauf, was das Geschehen auf eine neue und mysteriöse Ebene hebt. Das Finale konnte erst einige Monate nach dem Rest gedreht werden, da die Hauptdarstellerin nicht verfügbar war, und vielleicht ist das ja auch mit ein Grund, weshalb dieses so gänzlich anders ist als das zuvor gezeigte. The Period ist das (bislang einzige) Filmbaby von J. Douglas Smith, der hier nicht nur Regie geführt hat, sondern das Ding auch geschrieben, gefilmt, geschnitten und produziert hat. Viel mehr geht da wirklich nicht mehr. Lediglich die disharmonische und dadurch auch recht effektive Musikuntermalung hat er an Onemilliontinytinyjesuses ausgelagert. The Period ist einhundert Prozent Underground und null Prozent Mainstream. Der eckt an, wo er nur kann. Meine Hochachtung vor Smith, der die "Cojones" hatte, seine eigenwillige Vision ohne Rücksicht auf Verluste durchzuziehen, so anstrengend, exzessiv, geschmacklos und chaotisch das Ergebnis mitunter auch ist.

Einige der angerissenen Ideen sind ganz interessant. Wie die Reaktion der Menschen, die mit Sharries Menstruation konfrontiert werden; die reicht von Verachtung über Abscheu bis hin zu Vergötterung. Oder die eingestreute Symbolik, über die man grübeln kann. Was haben die blutgefüllten Eier zu bedeuten, die Sharrie einmal legt? Hübsch surreal ist die Sequenz, in welcher Sharrie anstelle der Vagina einen Mund hat, und der plappert und plappert und hört nicht mehr auf. Sogar die Kunst entdeckt die unaufhörlich menstruierende Frau; mit einem blutigen Abdruck des Geschlechtsteils gibt es schließlich gutes Geld zu verdienen. Was The Period sein will, bleibt indes ein Rätsel. Eine geschmacklose Komödie? Ein exzessives Drama? Eine bluttriefende Satire auf Troma-Art? Oder einfach nur schrille Underground-Exploitation der Exploitation willen? Ich weiß es nicht. Die Autorin Charlotte Roche fordert ja, daß die weibliche Periode endlich als das wahrgenommen wird, was sie ist. Als etwas ganz normal Menschliches. Ob The Period zur gewünschten Enttabuisierung beiträgt, darf bezweifelt werden.

[Randolph Carter]

Sweet, Sweet Rachel
USA 1971 - Directed by Sutton Roley



Als Paul Stanton (Rod McCary) von seinem Kartenspiel aufsieht und einen Blick aus dem Fenster wirft, packt ihn das nackte Grauen. Er sieht seine Frau Rachel (Stefanie Powers), die verzweifelt durch die Grabsteine des Friedhofs Richtung Haus torkelt, offensichtlich am Ende ihrer Kräfte, vielleicht sogar verletzt. Ohne zu überlegen handelt Paul, springt auf und eilt ihr zu Hilfe. Die Fensterscheibe zerbirst beim Aufprall, und er stürzt schreiend zig Meter in die Tiefe, wo sein Körper auf den Felsen zerschellt. Nur Sekunden später öffnet Rachel die Tür zum Zimmer, tritt ein, realisiert was passiert ist und beginnt zu kreischen. Dann läutet das Telefon, und eine weibliche Stimme leiert emotionslos die Motive herunter, die auf den von Paul aufgedeckten Karten zu sehen sind. Nach dem Begräbnis zieht Rachel die ESP-Experten Dr. Lucas Darrow (Alex Dreier) und Carey Johnson (Chris Robinson) hinzu, die bald am eigenen Leib zu spüren bekommen, daß hier seltsame (Geistes-)Kräfte am Werk sind. Während die beiden Männer versuchen, der mysteriösen Sache auf den Grund zu gehen, wird Rachel plötzlich von ihren zwielichtigen Verwandten Arthur (Pat Hingle) und Lillian (Louise Latham) umsorgt, und selbst ihre Nichte Nora (Brenda Scott), die sie eben noch als Mörderin beschimpfte ("You killed him, because he loved me!"), steht auf einmal vor der Tür.

Sutton Roleys obskurer Fernsehfilm Sweet, Sweet Rachel ist schon aufgrund seiner Besetzung einen Blick wert. Stefanie Powers, berühmt geworden an der Seite von Robert Wagner mit der TV-Serie Hart to Hart (Hart aber herzlich), überzeugt hier als labile, verzweifelte Witwe, der so übel mitgespielt wird, daß sie in den Wahnsinn abzudriften droht. Ihr langsamer Verfall hin zum ins Leere starrenden, geistigen Wrack wird recht glaubhaft geschildert, sodaß man unweigerlich Mitleid mit der armen Frau empfindet. Die anderen Figuren, wie etwa Pat Hingle (The Gauntlet) bzw. Louise Latham (The Sugarland Express) als Onkel respektive Tante, agieren ebenfalls souverän; ihre Hauptaufgabe ist es, bis zum Ende undurchsichtig zu bleiben. Denn wer hinter den telepathischen Anschlägen steckt, was es damit auf sich hat und welches Motiv der oder die Schurken haben, wird erst beim großen Finale enthüllt. Und dann gelingt es Regisseur Roley und seinem Drehbuchautor Anthony Lawrence tatsächlich, die ausgeworfenen Fäden zusammenzuführen und zu einem schlüssigen Ganzen zu vereinen. Im Grunde ist die Auflösung keine große Überraschung, doch dank der verschiedenen Details, darunter auch die Art und Weise, wie der bzw. die Täter überführt werden, bleibt das unspektakuläre TV-Movie bis zum Ende interessant und recht unterhaltsam.

Und das ist durchaus beachtenswert, ist Sweet, Sweet Rachel doch weder besonders mitreißend noch sonderlich spannend in Szene gesetzt. Bis zur Hälfte plätschert das Geschehen recht gefällig dahin (die tolle Eröffnungsszene mal ausgenommen), ist zwar nicht wirklich langweilig, aber doch auch alles andere als aufregend. Erst dann kommt der Film in die Gänge. Hin und wieder blitzt etwas Suspense auf, und zwei, drei Szenen kann man sogar - mit etwas gutem Willen - einen gewissen Gruselfaktor attestieren. Die Erscheinungen der toten Frau sind zum Beispiel hübsch schaurig anzusehen und könnten bei dem einen oder anderen vielleicht Gänsehaut erzeugen. Auch die ominösen Telefonanrufe sind ein wenig creepy, während der "lebende" Gipskopf eher schräg als gruselig anzusehen ist. Die Grundstimmung ist sehr ernst, beinahe schon verbissen humorlos; glücklicherweise ist der Film zu gut gemacht, als daß er eine unfreiwillig komische Schlagseite bekommen könnte. Nein, Sweet, Sweet Rachel ist bestimmt kein vergessenes Kleinod, aber er ist ein netter Mystery-Streifen für zwischendurch, dem sein Whodunit-Element gut zu Gesicht steht. Anscheinend kam die interessante, nicht unoriginelle Thematik bei den Verantwortlichen gut an, zog der Film doch im darauffolgenden Jahr eine kurzlebige Serie namens The Sixth Sense nach sich.

[Randolph Carter]

Aquanoids
USA 2003 - Directed by Reinhart Peschke



Reinhart 'Rayteam' Peschkes Aquanoids ließ mich etwa eine Viertelstunde lang rätseln. Diese Zeitspanne benötigte ich, um zu realisieren, ob dieser billigst produzierte, auf Videomaterial gedrehte Mumpitz ernst gemeint ist oder doch so etwas wie eine Komödie darstellen soll. Die hektisch geschnittene, völlig sinnfreie Szene, in der unsere hübsche Heldin Vanessa (Laura Nativo) dann auf ihrem schicken Elektro-Scooter durch die Stadt düst, hat mir schlußendlich die Augen geöffnet. Das Ding ist ein Spoof, definitiv. Was jedoch nichts daran ändert, daß es gleichzeitig auch ein Baddie ist, und was für einer! In der Baddie-Rangliste des Jahres 2003 mischt der mit Sicherheit ganz vorne mit, hat eventuell sogar Chancen auf den Sieg. Schauplatz des Geschehens ist eine kleine Insel vor der Küste Kaliforniens, wo man sich gerade auf die Feier zum vierten Juli vorbereitet. Doch just diesen schönen, sonnigen Tag haben sich die fiesen Aquanoids ausgesucht, um - von wo auch immer - zurückzukehren. Vor sechzehn Jahren haben die Halb-Mensch-Halb-Fisch-Wesen die idyllische Insel bereits einmal attackiert, doch der unschöne Vorfall wurde zusammen mit den siebzehn Leichen unter den Teppich gekehrt.

Meeresbiologin Vanessa war damals persönlich betroffen, war doch auch ihre Mutter unter den Opfern. Als sie nun beim Tauchen einen Aquanoid erspäht, fackelt sie nicht lange und macht sich auf, die Inselbewohner bzw. die Badegäste (viele sind es eh nicht) vor der Gefahr zu warnen. Bürgermeister Frank Walsh (Edwin Craig) und Investor Clint Jefferson (Ike Gingrich) zeigen sich darob wenig begeistert, denn die hören schon den Rubel rollen und können schlechte Publicity so nötig gebrauchen wie eine Nase im Arsch. Während die beiden also Spuren verwischen, Beweise vernichten und einen Plan aushecken, wie sie Vanessa am besten um die Ecke bringen können, nimmt diese mit ihrer Freundin Christina (Rhoda Jordan) und dem stadtbekannten Säufer Jackson (Laurence Hobbs) den Kampf gegen die Kreaturen aus dem Ozean auf. Aquanoids ist Reinhart Peschkes einzige Regiearbeit, und wenn man sich den Film zu Gemüte führt, wundert einen das überhaupt nicht. Was hier zelebriert wird, ist Quatsch zum Quadrat, bei dem die Augen zu tränen beginnen. Exemplarisch möchte ich die schier unfaßbare Szene hervorheben, in welcher ein Lakaie des Bürgermeisters Vanessa an den Kragen will.

Sie: Vanessa, auf einem Boot, nach Aquanoids Ausschau haltend, nichtsahnend
Er: Ein Polizist, vom Bürgermeister bestochen, auf eine günstige Gelegenheit wartend
Sie: Dreht ihm den Rücken zu, konzentrierter Blick auf die Wasseroberfläche
Er: Greift von hinten heimtückisch an, legt ihr seine Hände um den Hals und drückt zu
Sie: Schreit überrascht auf, packt seine Hände und befreit sich gekonnt aus dem Würgegriff
Er: Faßt in ihre schönen Haare und zerrt daran
Sie: Fährt ihm mit einem Finger ins Auge, tritt ihm danach gegen den Schädel
Er: Stürmt auf sie zu, grapscht mit beiden Händen ihre Titten und drückt sie
Sie: Quetscht ihm mit einer Hand fest die Hoden, bis Blut aus der Hose läuft
Er: Schreit und hält sich die malträtierten Weichteile
Sie: Tritt ihm in den Arsch, woraufhin er kopfüber über Bord geht (begleitet von einem herzhaften "Cocksucker" seitens Vanessas) und als Fischfutter endet

Aquanoids steht in der Tradition von Filmen wie Creature from the Black Lagoon (Der Schrecken vom Amazonas, 1954), L'isola degli uomini pesce (Insel der neuen Monster, 1979) und natürlich Humanoids from the Deep (Das Grauen aus der Tiefe, 1980) und ist gewissermaßen eine wilde Mixtur aus Rip-Off, Hommage und Parodie. Das klingt ja so schlecht nicht, doch scheitert es an der Umsetzung mit all ihren - teils gravierenden - Unzulänglichkeiten, wodurch das durchaus sympathische Ergebnis lediglich für Freunde des schlechten Films von Interesse sein dürfte. Das Beste am Streifen ist noch die ordentliche Kameraarbeit, für die Peschke selbst verantwortlich zeichnete. In diesem Bereich kennt er sich aus, war er doch Oberbeleuchter bzw. Lichttechniker bei einigen Filmen von Oliver Stone, wie z. B. Born on the Fourth of July, JFK oder Natural Born Killers. Weiters fand ich an den enthusiastischen Darbietungen der Cast viel Gefallen. Auch wenn es den Akteuren an Talent mangelt, den Vorwurf, daß sie nicht alles gegeben hätten, kann man ihnen kaum machen. Einige, wie der Leichenbeschauer, chargieren gnadenlos über, andere, wie Laura Nativo, leben ihre Rollen, ohne dabei auch nur ein bißchen glaubwürdig zu sein.

Dem gegenüber stehen der schauderhafte SOV-Billiglook, der planlos gesetzte Schnitt, die öde Musikberieselung, die ungelenk in Szene gesetzten Monsterattacken sowie die nicht vorhandene Dramaturgie. Aquanoids taumelt ziellos dahin, von einer Episode zur nächsten, ohne Spannungsbogen, ohne Gespür für Stimmung, ohne daß einen die Figuren auch nur im Geringsten interessieren, sind die doch allesamt bis zur Karikatur übersteigerte Stereotypen. Immerhin bedient Peschke die berühmten drei "B"s. Es gibt Blut (die paar Gore-Szenen sind billig aber saftig), Brüste (drei oder vier Paare) und Biester, in diesem Fall - bitte festhalten! - ganze zwei Stück Aquanoids. Da die beiden zusammen nie zu sehen sind, gab es wohl nur ein Monsterkostüm. Wobei "sehen" nicht das richtige Wort ist; man erhascht einige verwackelte Bilder des Dings, aber am Öftesten zeigt uns Peschke die Pranken der Kreatur. Pranken, die Beine aufkratzen. Pranken, die nach Opfer langen. Pranken, die feste zupacken. Egal, das zweifelhafte Highlight dieses eher lahmen, doofen, trashigen und/oder campigen Creature Features ist sowieso die geschmacklose Geburtsszene, abgerundet mit dem schönen Satz "Sorry, Baby, it was all for a good cause".

[Randolph Carter]

Pumpkinhead
(Das Halloween Monster / Pumpkinhead - Das Halloween Monster / Die Rache der Dämonen / Vengeance: The Demon)
USA 1988 - Directed by Stan Winston



Ed Harley: "God damn you! God damn you!"
Haggis: "He already has, son. He already has."

Wenn der Name Stan Winston fällt, denkt man in erster Linie an seine bahnbrechenden Beiträge in den Bereichen Spezialeffekte, Make-Up-Effekte und visuelle Effekte. Nicht umsonst hat die am 15. Juni 2008 verstorbene SFX-Legende mehrere Oscars, Emmys, BAFTA- und Saturn Awards gewonnen und wird von den Fans für seine Arbeiten an Filmen wie Dead & Buried (1981), The Terminator (1984), Aliens (1986), Terminator 2: Judgment Day (1991), Batman Returns (1992) und Jurassic Park (1993) zu Recht verehrt. Was dabei gerne übersehen wird ist, daß Winston auch zwei Spielfilme inszeniert hat, und zumindest einer davon ist allerfeinstes Genrekino. Geschätzte dreieinhalb Millionen Dollar standen Winston für sein herausragendes Regiedebut Pumpkinhead (Das Halloween Monster) zur Verfügung, und nahezu jeder Cent davon ist auf der Leinwand respektive dem Bildschirm zu sehen. Seine kurze (Neben-)Karriere als Regisseur fand bereits zwei Jahre später mit A Gnome Named Gnorm (Upworld aka Mein Kumpel, der Kobold, 1990) ein jähes Ende. Danach inszenierte er nur noch vier Kurzfilme bzw. Musikvideos.

Pumpkinhead beginnt mit einem im Jahre 1957 angesiedelten Prolog, in dem ein kleiner, verängstigter Junge des Nachts Zeuge vom grausigen Wüten eines geheimnisvollen Monsters wird. Viele Jahre später lebt der verwitwete Ed Harley (Lance Henriksen, Aliens), der Junge von damals, mit seinem Sohn Billy (Matthew Hurley) abgeschieden am Lande und führt einen kleinen Laden, bei dem alles Mögliche erhältlich ist. Als Billy blindlings seinem aufgeschreckten Hund Gypsy nachläuft, wird er von Joel (John D'Aquino, No Way Out) niedergefahren, der das hügelige Gelände spontan als Motocross-Strecke nutzt. Da er alkoholisiert ist und bereits eine Vorstrafe auf dem Kerbholz hat, sucht er reflexartig das Weite, und seine Freunde Chris (Jeff East, Superman), Kim (Kimberly Ross, Nightmare at Noon), Tracy (Cynthia Bain, Spontaneous Combustion) und Maggie (Kerry Remsen, Ghoulies II) folgen ihm ohne langes Nachdenken. Lediglich Joels Bruder Steve (Joel Hoffman, Slumber Party Massacre II) bleibt an der Unfallstätte zurück, bis Billys Vater Ed zurückkehrt, um ihm den tragischen Sachverhalt zu erklären.

Für Erklärungen ist Ed allerdings nicht zu haben. Mit seinem leblosen Sohn im Arm zieht er - von Haß auf die rücksichtslosen Großstadtkids erfüllt - von dannen und landet über Umwegen schließlich bei der uralten Waldhexe Haggis (Florence Schauffler), die ihn mit den Worten "I'm afraid raising the dead ain't within my power" empfängt. Sehr wohl liegt es jedoch in ihrer Macht, dem verzweifelten Ed zu der Rache zu verhelfen, nach der er so sehr dürstet. In einem schauerlichen Ritual beschwört die Hexe den Rachedämon Pumpkinhead (Tom Woodruff Jr.) herauf und setzt ihn auf die in einer Waldhütte Zuflucht suchenden Jugendlichen an. An Pumpkinhead, dessen Ursprung bereits in den 1970er-Jahren liegt, stimmt fast alles. Der Film ist von Bojan Bazelli (A Cure for Wellness) erstklassig photographiert, wobei vor allem die phasenweise artifizielle, jedoch extrem stimmungsvolle Szenenausleuchtung begeistert. Das sieht schlichtweg phantastisch aus. Aber auch die exzellent gestalteten Sets bzw. die atemberaubenden (Natur-)Schauplätze, wie schauerromantische Waldlichtungen oder knorrige Bäume, lassen das Herz des Fans höherschlagen.

Ein Sonderlob gebührt den Drehbuchautoren Mark Patrick Carducci und Gary Gerani, welche die an und für sich recht simple Geschichte plausibel und nachvollziehbar strukturiert haben. Man nimmt sich Zeit für den Handlungsaufbau und für die ins düstere Geschehen involvierten Figuren, und diese Zeit ist gut investiert, trägt sie doch dazu bei, daß man mit den Charakteren mitfühlt bzw. mitleidet. Außerdem hat Pumpkinhead einen schönen Fluß; der Streifen gleitet zielstrebig dahin, ohne daß er jemals ins Straucheln gerät. Das Anteasern der Kreatur zu Beginn (welche im Laufe der Jahre zu einer Art Schreckgespenst verkommen ist, um Kindern Angst einzujagen) ist ein smarter Schachzug, läßt es doch erahnen, was noch kommen wird und weckt den Appetit darauf. Noch gelungener sind die ganzen Szenen rund um die Hexe. Ed Harleys Gespräch mit ihr, sein Abstecher auf den Friedhof (eine sensationelle, schaurig-schöne Sequenz, welche vergleichbare Momente in den beiden Pet Sematary-Verfilmungen ganz, ganz alt aussehen läßt), das unheilige Ritual sowie die anschließende Geburt des Monsters, das alles ist phänomenal gut und stimmig in Szene gesetzt.

Selbst die schauspielerischen Darbietungen sind mehr als zufriedenstellend. Lance Henriksen agiert gewohnt intensiv, obwohl er im Eifer des Gefechts zwei- oder dreimal in die Overacting-Falle tappt. Zwischen ihm und der mörderischen Kreatur besteht eine Verbindung, sodaß er die Untaten des Dämons hautnah miterlebt. Und so begreift er erst als es schon zu spät ist, was er angerichtet hat, nämlich daß seinetwegen auch Unschuldige zum tödlichen Handkuß kommen. Seine Figur entwickelt sich zur gequälten Seele, zugrunde gerichtet durch sein blindes, rachsüchtiges Handeln. Die Darsteller der Kids machen ihre Sachen ebenfalls gut und spielen überwiegend glaubhaft, wobei die hübsche Dame, die es als Final Girl in den großen Showdown schafft, die beste Leistung der jungen Garde abliefert. Als hartes Oberhaupt einer Hinterwäldler-Sippe - Pumpkinhead hat nebenbei auch noch ein schönes Backwoods-Flair zu bieten - ist George 'Buck' Flower (They Live) zu sehen, eines seiner Bälger ist The Big Bang Theory-Star Mayim Bialik, und falls jemandem der Hund (Mushroom als Gypsy) bekannt vorkommen sollte... der war bereits in Joe Dantes Gremlins (1984) mit von der Partie, damals als Barney.

Daß Pumpkinhead auch hinsichtlich der Spezialeffekte derbe rockt, sollte nicht verwundern; darauf hat Stan Winston mit Sicherheit besonderen Wert gelegt. Ganz formidabel und ungeheuer beeindruckend ist die von Tom Woodruff Jr. gespielte, titelgebende Kreatur, bestimmt eines der memorabelsten Monster der Horrorfilmgeschichte. Und auch wenn bei den Attacken (vielleicht etwas zu) wenig Blut fließt, so haben die prächtig gestalteten Murder-Set-Pieces doch genug Punch, um beim Publikum eine starke Wirkung zu erzeugen. Das hängt natürlich auch damit zusammen, daß die Figuren mehr sind als bloßes Kanonen- bzw. Monsterfutter und daß Winston und seine Leute auch die tragischen Aspekte der Geschichte nicht vernachlässigen. Unterstützt wird das Szenario von Richard Stones tollem Score, der an den richtigen Stellen losdonnert und Druck macht bzw. leise und gefühlvoll dazu beiträgt, die gewünschten Emotionen aus dem Moment herauszukitzeln. Ja, Stan Winstons Pumpkinhead, dieses schaurig-schöne, bitterböse Märchen für Erwachsene, ist in der Tat allerfeinstes Genrekino, das auch mehr als dreißig Jahre nach seiner Entstehung noch vollauf zu begeistern weiß.

Der Pumpkinhead hatte in den folgenden Jahren noch drei weitere Auftritte, und zwar in Jeff Burrs Pumpkinhead II: Blood Wings (Pumpkinhead II, 1994), in Jake Wests Pumpkinhead: Ashes to Ashes (Pumpkinhead: Asche zu Asche, 2006) sowie in Michael Hursts Pumpkinhead: Blood Feud (Pumpkinhead: Blutfehde, 2007). Ein Remake/Reboot ist meiner Meinung nach nur eine Frage der Zeit.

[Randolph Carter]

Pumpkinhead II: Blood Wings
(Pumpkinhead II / Pumpkinhead 2 / Pumpkinhead 2: The Demon Returns / The Revenge of Pumpkinhead: Blood Wings / Die Rache der Dämonen 2)
USA 1993 - Directed by Jeff Burr



Mit seinem durchaus beachtlichen Spielfilmdebut The Offspring (Die Nacht der Schreie, 1987) weckte der 1963 in Aurora (Ohio) geborene Jeff Burr bei den Genrefans Hoffnungen, die er in weiterer Folge niemals wirklich erfüllen konnte. Zu durchwachsen waren seine Nachfolgewerke, bei denen es sich oft um Fortsetzungen erfolgreicher und populärer Filme handelte. Er drehte Stepfather II (1989), Leatherface: Texas Chainsaw Massacre III (Leatherface - Die neue Dimension des Grauens, 1990), Pumpkinhead II: Blood Wings (1993) sowie Puppet Master 4 (1993) und Puppet Master 5 (1994), bevor er die Welt der Sequels mit Night of the Scarecrow (Night of the Scarecrow - Die Nacht der Krähe, 1995) vorerst hinter sich ließ (2018 erfolgte mit Puppet Master: Blitzkrieg Massacre ein Rückfall). Die Direct-to-Video-Fortsetzung zu Stan Winstons kultigem und ungemein stimmungsvollem Horrormärchen Pumpkinhead (Das Halloween Monster, 1988) erschien fünf Jahre nach Veröffentlichung des Originals und entpuppte sich leider als Enttäuschung.

Wie Pumpkinhead beginnt auch Pumpkinhead II mit einem in der Vergangenheit angesiedelten Prolog, der dieses Mal allerdings Schlimmes befürchten läßt. Eine Gruppe Jugendlicher macht im Jahre 1958 Jagd auf einen deformierten Jungen namens Tommy (J.P. Manoux) und ermordet ihn auf brutale Art und Weise. Die Täter kommen ungeschoren davon. Seitdem sind viele Jahre vergangen, und in Ferren Woods denkt kaum noch jemand an die grausige Vergangenheit. Doch als ein paar Halbstarke, angeführt von Danny Dixon (J. Trevor Edmond), dem Sohn des Richters (Steve Kanaly), eines Nachts zu einem wilden Joyride aufbrechen und dabei die alte Miss Osie (Lilyan Chauvin) verletzen, setzen sie eine Kette von Ereignissen in Gang, welche die Kleinstadt in ein Schlachthaus verwandelt. Pumpkinhead (Mark McCracken) ist zurück, und vor seiner Rache ist niemand sicher, auch nicht Jenny (Ami Dolenz), die Tochter von Sheriff Sean Braddock (Andrew Robinson), die mehr oder weniger unverschuldet in die Sache hineingeschlittert ist.

Wie schon angedeutet, beginnen beim reichlich vermurksten, sepiafarbenen Prolog bereits die Alarmglocken zu schrillen. Da gelingt Jeff Burr nämlich das Kunststück, die grausamen Aktivitäten so übertrieben und infolgedessen so unfreiwillig komisch darzustellen, daß man glatt denkt, man sähe eine Parodie. Wo die Folterung und Ermordung des deformierten Jungen Mitgefühl oder - in Bezug auf die Täter - Abscheu hervorrufen sollte, muß man einen inneren Kampf ausfechten, um nicht in schallendes Gelächter auszubrechen. Ehrlich, diese Sequenz ist so furchtbar schlecht und trashig inszeniert, daß sie den Film beinahe killt, bevor er überhaupt richtig begonnen hat. Aber nur beinahe, denn in weiterer Folge findet Pumpkinhead II glücklicherweise in die Spur. Diese hält der ernst angelegte Film dann nicht immer, aber zumindest findet er im Anschluß wieder zurück. Passend dazu reichen die schauspielerischen Darbietungen von okay bis lachhaft, wobei selbst Scream Queen Linnea Quigley (The Return of the Living Dead) mit ihrem duschlosen (!) Kurzauftritt enttäuscht.

Neben Frau Quigley tummeln sich noch einige weitere bekannte Gesichter vor der Kamera. Andrew Robinson ist unvergessen in Don Siegels Dirty Harry (1971) und in Clive Barkers Hellraiser (1987), Ami Dolenz war eines der Horror-Babes der 90er (Ticks, Witchboard 2), J. Trevor Edmond durfte in Return of the Living Dead III (1993) mit Melinda Clarke rummachen, R.A. Mihailoff war Leatherface im dritten Teil der Chainsaw-Saga, Kane Hodder mauserte sich zum wohl bekanntesten Jason-Darsteller der Friday the 13th-Reihe, und Joe Unger bzw. Steve Kanaly kennt man aus A Nightmare on Elm Street (1984) respektive der TV-Kult-Serie Dallas (1978 – 1991). Die Effekte der KNB EFX Group sind ganz ordentlich, reichen jedoch an die des Vorgängers nicht heran. Alles wirkt billiger und grober, leider auch der Pumpkinhead, der hier weniger beweglich ist und sich deshalb auch nicht mehr so echt anfühlt. Und auch in Punkto Bedrohlichkeit büßt er stark ein, wozu auch Jeff Burr beiträgt, der die nach wie vor beeindruckende Kreatur einfach viel zu oft zeigt. Weniger wäre hier mehr gewesen.

Für Fans von flotten und anspruchslosen Creature Features ist Pumpkinhead II dennoch einen Blick wert, da das Monster in der Stadt kräftig aufräumt (der Bodycount ist höher als im Original) und sich manchmal sogar im Stil eines Slashers-Unholds durch die Cast metzelt. Besonders einfallsreich oder übermäßig blutig sind die Set-Pieces nicht (der unsanfte Kopfabrupfer ist das Highlight), dafür hat Burr die Attacken mit stroboskopartigen Lichteffekten etwas aufgepeppt. Das ist einerseits zwar etwas gewöhnungsbedürftig, sieht andererseits aber recht schick aus. Darüber hinaus paßt das Tempo, und Jim Manzies Musikuntermalung ist ebenfalls sehr in Ordnung. Da die im Vorgänger etablierten Gesetzmäßigkeiten zum Teil ignoriert werden (Pumpkinhead ist nicht mehr die unerbittliche Killermaschine, er hat eine Art Gewissen und läßt mit sich "reden"), ist Pumpkinhead II gleichermaßen Sequel wie Remake, wobei die zahlreichen Stärken des Originals hier überwiegend durch Abwesenheit glänzen. Was bleibt ist passable Monster-Randale, die zumindest ansprechend unterhält.

[Randolph Carter]

Pumpkinhead: Ashes to Ashes
(Pumpkinhead: Asche zu Asche / Pumpkinhead 3 / Pumpkinhead III)
Großbritannien/Rumänien/USA 2006 - Directed by Jake West



Lange war es still gewesen um den kultigen Rachedämon Pumpkinhead. Mehr als zehn Jahre waren seit seinem letzten Auftritt in Pumpkinhead II: Blood Wings (Pumpkinhead II, 1993) vergangen, als er sich 2006 plötzlich zurückmeldete, in Form einer mit geschätzten sechs Millionen Dollar recht üppig budgetierten TV-Produktion. Mit dem Briten Jake West (Evil Aliens), der auch das Drehbuch mitverfaßte, saß ein Genrekenner am Regiestuhl, während man für die Spezialeffekte Gary J. Tunnicliffe (Candyman) gewinnen konnte. Die Voraussetzungen waren also nicht so verkehrt. Leider stellte sich bei Ansicht des Ergebnisses doch rasch Ernüchterung ein. Die verschiedenen Versatzstücke, die für einen gelungenen Pumpkinhead-Film erforderlich sind, sind zwar allesamt vorhanden, und doch will Pumpkinhead: Ashes to Ashes einfach nicht zünden. Etwas ist bei der Neuzusammensetzung verloren gegangen. Es ist so ähnlich wie beim Steak, das Seth Brundle in David Cronenbergs The Fly (Die Fliege, 1986) zu Versuchszwecken teleportiert. Es sieht aus wie ein Steak, es riecht wie ein Steak, es fühlt sich an wie ein Steak, aber es schmeckt nicht wie ein Steak.

Durch eine Schlamperei kommen in einem Kleinstädtchen am Lande gräßliche Dinge ans Tageslicht. In Zusammenarbeit mit dem örtlichen Arzt, Doc Fraser (Doug Bradley, der einzig wahre Pinhead aus der Hellraiser-Saga), hat eine skrupellose Hinterwäldler-Sippe namens Wallace (Lisa McAllister, Douglas Roberts, Dicu Aurel und Iulian Glita) die Leichen der Verstorbenen geschändet, um ihnen die Organe zu entnehmen und teuer zu verkaufen. Um ihre Taten zu verschleiern, schreckt die Bande selbst vor Mord nicht zurück. Doch ihr letztes Opfer überlebte lange genug, um die schmutzige Sache auffliegen zu lassen. Nun sind einige der Einwohner, allen voran Molly Sue Allen (Tess Panzer) und Ellie Johnson (Ioana Ginghina), über die widerlichen Verbrechen so erzürnt, daß sie die Hexe Haggis (Lynne Verrall) aufsuchen und sie dazu bringen, den Rachedämon Pumpkinhead (Bob Gunter) zu beschwören, um das Gesindel abzuschlachten. Das tut das Monster dann auch, gewohnt erbarmungslos. Eines der Opfer wird durchbohrt, ein anderes bekommt die Kehle aufgeschlitzt, und ein armer Tropf endet leblos am Dach seines Hauses, aufgespießt auf dem stählernen Blitzableiter.

Technisch gesehen ist der in Rumänien gedrehte Pumpkinhead: Ashes to Ashes recht solide B-Ware. Die schauspielerischen Darbietungen sind akzeptabel, wobei natürlich Doug Bradley, der seine Bad-Guy-Rolle sichtlich genießt, und Lance Henriksen (Aliens) hervorstechen. Die handgemachten Creature- und Gore-FX sind ansprechend, wohingegen die paar CGI-Einlagen so miserabel sind, daß sie fast schon Fremdschamgefühle auslösen. Die größten Kritikpunkte sind aus meiner Sicht allerdings die umständlich erzähle Geschichte, die völlig uninteressanten Figuren (mit denen wir viel zu viel Zeit verbringen müssen) sowie die nicht existente Atmosphäre. Der Film mag sich in Düsternis suhlen (alles wirkt irgendwie braun-in-braun), aber das ist alles so gekünstelt und steril, daß überhaupt keine Stimmung aufkommen mag. Pumpkinhead: Ashes to Ashes mangelt es an vielem, vor allem aber an Herz. Man empfindet einfach nichts für die Figuren. Und wenn am Ende blindlings mit der Moralkeule um sich geschlagen wird (Rache ist schlecht, sie setzt dir zu, zehrt dich aus, verbrennt dich, zerstört dich), dann mag die Message gut gemeint sein, sie wirkt jedoch bloß peinlich und plump.

[Randolph Carter]

Pumpkinhead: Blood Feud
(Pumpkinhead: Blutfehde / Pumpkinhead 4: Blood Feud)
Großbritannien/Rumänien/USA 2007 - Written & Directed by Michael Hurst



"Keep away from Pumpkinhead, unless you're tired of living.
His enemies are mostly dead. He's mean and unforgiving."
(Kinderreim)

Etwa ein Jahr nach dem schwachen dritten Teil erschien mit Pumpkinhead: Blood Feud (Pumpkinhead: Blutfehde) das vierte und bislang letzte Kapitel der Pumpkinhead-Saga. Und Drehbuchautor und Regisseur Michael Hurst gelang, womit nicht zu rechnen war. Sein zur Gänze in Rumänien entstandener Film ist nicht nur - für sich stehend - ein flottes und gefälliges Creature Feature, er ist auch der zweitbeste Teil der Reihe. An Stan Winstons famoses Original Pumpkinhead (1988) kommt sein Beitrag zwar bei weitem nicht heran, aber die durchwachsenen respektive enttäuschenden Sequels von Jeff Burr (Pumpkinhead II: Blood Wings, 1993) und Jake West (Pumpkinhead: Ashes to Ashes, 2006) übertrumpft er mit Leichtigkeit. Der Hauptgrund dafür ist wohl, daß erstmals seit dem Original sowohl die Geschichte als auch die Figuren wieder (halbwegs) zu überzeugen wissen. Es sind keine Charaktere, mit denen man groß mitfiebern kann, aber sie sind das entscheidende Quentchen mehr als die uninteressanten Stereotypen, welche die vorangegangenen zwei Filme bevölkerten. Zudem vergeudet Hurst keine Zeit mit langweiligen Nebenplots (gut, den herumgeisternden Lance Henriksen hätte er sich sparen können), sondern konzentriert sich voll und ganz auf die wesentliche Handlungsebene, die titelgebende Blutfehde, welche dermaßen eskaliert, daß Pumpkinhead hinzugezogen wird.

Die Hatfields und die McCoys, zwei alteingesessene Hinterwäldler-Clans, sind bereits seit Jahrzehnten verfeindet. Es regiert der blanke Haß, und das lassen sie die jeweils andere Sippe auch bei jeder Gelegenheit spüren. Die einzigen Ausnahmen sind Jodie Hatfield (Amy Manson, Doom: Annihilation) und Ricky McCoy (Bradley Taylor), denn diese beiden jungen Menschen haben sich gegen jede Wahrscheinlichkeit ineinander verliebt. Es ist eine Liebe, die nicht sein darf, und so wird sie so gut es geht verheimlicht. Jedoch nicht gut genug, denn zwei von Jodies schmierigen Brüdern bekommen Wind davon und crashen brutal das Liebesnest der Turteltäubchen im Wald, mit schmerzhaften und gar tödlichen Konsequenzen. Ricky giert daraufhin nach Rache und setzt den bekannten Ablauf eines Pumpkinhead-Filmes in Gang. Man kennt das ja: Besuch bei der Hexe Haggis (Lynne Verrall), Aufklärung über die fatalen Konsequenzen und Beschwörung des Rachedämons Pumpkinhead (Bob Gunter), dann geht es den Hatfields an den Kragen. Der gesamte Clan soll ausgelöscht werden; lediglich Jodie muß verschont bleiben. Das folgende Gemetzel setzte Michael Hurst sehr solide in Szene, wobei er seiner Affinität für saftig-derbe Gore-Eskapaden großzügig Auslauf gewährte. Pumpkinhead: Blood Feud ist so blutig wie sämtliche Vorgänger zusammen.

Da werden Köpfe zu Brei zermantscht, Gliedmaßen abgetrennt, Messer in Münder gestoßen, Leiber ausgeweidet; die Pranke der Kreatur durchschlägt einen Körper und drückt die Wirbelsäule gleich mit raus, Därme glitschen aus geöffneten Bäuchen, Blut spritzt reichlich. So brachial wie hier ist das Ungeheuer noch nie zu Werke gegangen. Es ist wie eine Naturgewalt, die - sobald einmal entfesselt - alles platt macht, was ihren Weg kreuzt. Gary J. Tunnicliffes Effekte können sich durchaus sehen lassen, sind überwiegend handgemacht, hin und wieder jedoch mit CGI "verfeinert". Das Monster wirkt wieder bedrohlicher als in Ashes to Ashes, und es ist sehr präsent. Hurst behandelt das Material mit Respekt, macht aber den Fehler, in seinem Aufguß auf jedwede Originalität zu verzichten. Das musikalische Thema zu Beginn und am Ende, Country-lastig und melancholisch, läßt wehmütige Erinnerungen an das unübertroffene Original aufkommen; der Rest von Rob Lords Score ist leider bloß Durchschnitt. Die Stimmung ist einmal mehr zappenduster, der Ton ernst und humorlos. Das Tempo ist recht hoch, Längen gibt es kaum, und Hurst schafft es einige Male, daß die gewünschten Emotionen beim Zuschauer auch ankommen. Pumpkinhead: Blood Feud ist ein kleines, deftiges Horror-Häppchen mit Anleihen bei Shakespeare. Romeo und Julia mit Monsterbeilage sozusagen.

[Randolph Carter]

Cat-Women of the Moon
(Cat Women of the Moon / Rocket to the Moon)
USA 1953 - Directed by Arthur Hilton



Bevor es zur Erforschung des Mondes kam, trieb die Phantasie der Drehbuchautoren wilde Blüten. Ein schönes Beispiel hierfür ist der 1953 entstandene Cat-Women of the Moon, geschrieben von Roy Hamilton, nach einer Idee von Jack Rabin und Al Zimbalist, und inszeniert vom Briten Arthur Hilton, welcher seine Brötchen üblicherweise als Cutter verdiente. Die Moonraker 4 ist als erstes Raumschiff unterwegs zum Mond, und an Bord befinden sich fünf Astronauten: Captain Laird Grainger (Sonny Tufts), Co-Pilot Kip Reissner (Victor Jory), Navigatorin Helen Salinger (Marie Windsor) sowie Walt Walters (Douglas Fowley) und Doug Smith (William Phipps), die sicherlich auch bestimmte Aufgaben haben, obwohl mir unklar ist welche. Schon während des nicht ganz zwischenfalllosen Fluges beginnt sich Helen seltsam zu verhalten, wie in Trance, und nach der gelungenen Landung auf der dunklen Seite des Mondes benimmt sie sich gar, als wäre sie schon einmal hier gewesen. Und so führt Helen ihre Kameraden in eine Höhle, wo - man höre und staune - erdähnliche Bedingungen herrschen. Nach Abwehr einer lustigen Riesenspinnenattacke stoßen sie erst auf eine Siedlung und danach auf deren Bewohnerinnen, die Katzenfrauen. Wie sich bald herausstellt, führt das mysteriöse Weibsvolk übles im Schilde.

Wer ein Faible für abstrusen Science-Fiction-Nonsens aus den 1950er-Jahren hat, ist bei Cat-Women of the Moon goldrichtig. Ich habe mich bei diesem hanebüchenen Kokolores jedenfalls köstlich amüsiert. Inwieweit die Macher ihr Werk ernst genommen haben, vermag ich nicht zu beurteilen. Allerdings wirkt der gesamte Film, als ob er ernst gemeint wäre, was den Fun-Faktor natürlich entsprechend in die Höhe treibt. Die Schauspieler verziehen jedenfalls keine Mienen, egal ob sie mit langbeinigen Riesenspinnenpuppen konfrontiert werden, sich komische Raumanzüge überstreifen oder mit verführerischen Frauen in hautengen Catsuits interagieren. Selbst die dämlichsten Dialoge werden mit heiligem Ernst vorgetragen, wie zum Beispiel Walts Präferenzen bezüglich des schönen Geschlechts: "You're too smart for me, baby. I like 'em stupid." Zum Schmunzeln laden auch die nicht so ganz frauenfreundlichen Einsprengsel ein, welche humorlose Emanzen und Emanzinnen (*grins*, soviel Zeit muß sein) bestimmt zur Weißglut treiben. Denn abgesehen davon, daß die Cat-Women ziemlich verschlagen sind, Welteroberungspläne hegen und die Männer der Erde zu unterjochen gedenken, setzen sie den Hebel zur Realisierung ihrer bösen Absichten beim "schwächsten" Glied der Kette an. Bei Helen.

Helen ist rasch unter ihre Kontrolle gebracht, schließlich beherrschen die Mondbewohnerinnen Telepathie, die jedoch nur bei Geschlechtsgenossinnen funktioniert (das Gehirn der Männer ist also entweder zu kompliziert oder zu dumm für ihre Gedankenkraft). Tatsächlich beherrschen sie sogar die Teleportation, aber das ist für die Geschichte nicht weiter relevant. Allerdings gibt es eine Möglichkeit, die telepathische Verbindung zu brechen. Man(n) muß die arme Helen nur grob behandeln, sie quasi hart rannehmen, dann kommt sie gleich wieder zu Verstand. Autor Roy Hamilton war wohl ein echter Frauenversteher. Ich sollte aber nicht unerwähnt lassen, daß auch die Männer ihre Schwachstellen haben, welche die Cat-Women eiskalt ausnutzen. Die Zauberworte hierfür sind: "May we serve you, Earthmen?" Die Frauen bedienen die Männer, bringen ihnen Speis und Trank, sie umgarnen sie und versuchen, sie mit Wissen und Schätzen zu ködern. "Diamonds Are a Girl's Best Friend", sang einst Marilyn Monroe, aber bei Bergen von Gold werden auch gestandene Männer schwach. Ob es den diabolischen Damen gelingt, die vier Astronauten auszutricksen und die Bedienung des Raumschiffes zu erlernen, um damit zur Erde zu fliegen und diese zu erobern, sei an dieser Stelle natürlich nicht verraten.

Cat-Women of the Moon ist eine sehr preisgünstige Produktion. Sowohl die Kabine der Rakete als auch einige der Raumanzüge stammen aus anderen Filmen, und auch die Tempelstadt der Cat-Women riecht stark nach Recycling. Die restlichen Sets sind ebenso billig wie das knuffige Modell der Rakete oder die paar netten Matte-Bilder, von den Cat-Women gibt es ganze acht Stück zu sehen, die Riesenspinnen haben mehr Ähnlichkeit mit den Bastelarbeiten von Schülern für ein Theaterprojekt als mit professionellen Spezialeffekten, und richtige Action konnte man sich ebenfalls nicht leisten, findet einiges davon doch glatt im Off statt, wie etwa im kurzen und knappen Finale, das den Streifen auf abrupte und nicht gerade befriedigende Weise beendet. Was gibt es sonst noch zu vermelden? Kip hat für die wissenschaftliche Expedition eine Pistole eingesteckt (man weiß ja nie), ein leichter Schlag mit einem Styropor-Felsen auf einen Cat-Woman-Kopf kann den Tod verursachen, ein gewisser Elmer Bernstein zeichnete für die belanglose Standard-Musik verantwortlich, die Katzenfrauen vertreiben sich die Zeit mit Ausdruckstanz, und Helen durfte eigentlich nur mit, weil sie kochen kann. Für Fans von harmlos-naivem Science-Fiction-Schund ist dieser amüsante Pulp-Heuler somit ein sympathisch-kurzweiliges Fressen.